ARTNEWSPRESS : Salvador (Antonio Banderas) es un director de cine en crisis; es un artista que ya no puede crear porque está demasiado concentrado en las dolencias físicas y atraviesa una etapa de depresión. El cuerpo del protagonista, inmerso en la piscina, está marcado por una larga cicatriz; la posición recogida que adopta aclara su deseo de flotar, de separarse del mundo terrenal, en un acogedor líquido. La metáfora uterina se confirma pronto en los flashbacks del personaje, cristalizados en ese cruce de los túneles de la casa cueva en la que Salvador pasó su infancia. Una guarida perfecta para un niño curioso, pero un lugar horrible para la madre (Penélope Cruz), una mujer dispuesta a proteger a su hijo. Pero más allá de los recuerdos, Salvador debe volver a su presente. Es así como se reencuentra con su amigo Alberto (Asier Etxeandia), protagonista de una de sus películas que, al ser restaurada por la filmoteca de Madrid, está lista para una presentación pública. El evento tiene fuertes consecuencias en la vida de Salvado, incluyendo otro reencuentro, esta vez con su viejo amor, Federico (Leonardo Sbaraglia).
La reflexión eterna y recíproca del arte en la vida, las paradojas de la creación, el conocimiento del dolor y el amor a la luz de la memoria. Incluso Pedro Almodóvar, como sucedió con muchos otros artistas pasados y presentes pertenecientes a distintas disciplinas, se ve obligado a revisitar la alegría y la furia con las que ha tejido su vida y su producción artística. En Dolor y gloria (2019), Almodóvar se lanza cuerpo y alma a este viaje autobiográfico, serpenteando entre el pasado y el presente, entre las calles de Madrid y las de la aldea de la infancia. Su alter ego, Salvador, desilusionado y desorientado, rastrea el pasado en formas episódicas, casuales o incidentales acariciando la memoria, tratando de recomponer su propia identidad destrozada y perdida. Es una película de sustancia, rica en significado y referencias al pasado en todas sus circunstancias. Ningún detalle se deja al azar y hay muchos testimonios de afecto y admiración que unen a Almodóvar con el cine italiano: desde el DVD de Mamma Roma que descansa sobre la mesa hasta el póster de 8½ pegado a la pared, pasando por Come Sinfonia, de Mina, una canción delicada que vigoriza los sentimientos, las alegrías y las ansiedades que marcaron la vida del autor español: desde el niño lleno de curiosidad y ganas de aprender, pasando por el joven listo para viajar por el mundo hasta llegar al adulto que ha perdido su curiosidad, incapaz de ver la luz que lo ha guiado durante años, ahora dominado por el aburrimiento y la desilusión. El filme es una obligación y necesidad para todos aquellos espectadores que a lo largo de los años han aprendido a conocer y amar a Almodóvar. De hecho, el alma del director es revelada con minuciosidad; el cineasta muestra sus debilidades y comparte momentos íntimos de su existencia. Para lograrlo, sólo podía confiar su figura a un actor que a menudo ha compartido créditos con él. Banderas hace de Salvador un personaje multidimensional y complejo, imposibilitado de reconocerse en el mundo y por lo tanto incapaz de expresar su mirada artística. El actor ni siquiera oculta una arruga y parece abarcar, en las sutiles gesticulaciones del rostro, la inquietud no resuelta del personaje, que da un paso atrás cuando el valor emocional de los eventos podría abrumarlo. Será precisamente el camino hacia el pasado lo que le permite reconstituir su personalidad rota en unidad; una salvación en forma de luz, capaz de renovar su impulso creativo. En el centro de todo está la relación entre Salvador y su madre, narrada sobre todo a través de su infancia. La interpretación de la mujer fue confiada a Penélope Cruz, una verdadera musa para Almodóvar. La actriz española no se niega a sí misma; a veces recuerda a Sophia Loren de La Ciociara, por su carácter fuerte y resistente, aparentemente impenetrable, pero al mismo tiempo capaz de abrirse a momentos de gran ternura con su único hijo. Aunque Almodóvar renuncia casi por completo al movimiento, hay una gran belleza visual que acompaña la sustancia filosófica de Dolor y gloria, logrando así un equilibrio existencial entre contenido y forma. Como sucede siempre en el cine del español, el diseño de arte se convierte en un componente emocional abrumador. El director confecciona imágenes de gran inmovilidad, extremadamente precisas desde el punto de vista escenográfico. La película está compuesta de tomas fijas, en las que las caras en primer plano se destacan contra las paredes, los motivos geométricos de los decorados y las pinturas dispuestas simétricamente con colores acentuados. En última instancia, Dolor y gloria es una película sobre la madurez, un momento clave en la vida del ser humano que lo lleva a disculparse, a cerrar las cicatrices que quedan abiertas. No hay nostalgia, sino mucha conciencia y aceptación, hasta el punto de no querer caer en el error de perseguir ese pasado glorioso. El dolor permanece, pero la gloria también.
